Lukisan monokrom: ciri, contoh

2024 Pengarang: Leah Sherlock | [email protected]. Diubah suai terakhir: 2023-12-17 05:44

Artis telah lama menyatakan bahawa warna boleh digunakan untuk membangkitkan tindak balas emosi yang kuat pada orang. Artis seperti Van Gogh telah diilhamkan oleh ini untuk mencipta karya agung yang dipenuhi dengan pelbagai warna. Namun, artis lain berpendapat sebaliknya. Mereka berusaha untuk mencipta karya agung menggunakan hanya satu warna.

Definisi

Lukisan monokrom ialah karya seni yang dilukis dengan hanya satu warna. Malah, perkataan "monokrom" secara literal bermaksud "satu warna". Ini adalah pendekatan seni yang berbeza, namun, ia digunakan lebih meluas daripada yang difikirkan kebanyakan orang.

Teknik

Bagaimanakah lukisan dicipta jika hanya satu warna digunakan? Kunci untuk ini ialah, sebagai contoh, biru dan hijau adalah warna yang berbeza, tetapi biru laut dan cyan tidak berbeza; mereka hanya rona warna yang sama. Putih boleh ditambah pada warna asas, menjadikannya lebih ringan. Secara teorinya, ini boleh diteruskan sehingga hampir putih tulen dicapai. Pada masa yang sama, warna boleh menjadi gelap dengan menambah hitam. Oleh itu para artisboleh melukis keseluruhan imej, yang terdiri daripada garisan, unsur dan bentuk dalam warna yang berbeza, yang secara teknikalnya adalah lukisan dalam satu warna.

Mengapa menggunakan teknik lukisan monokrom

Artis tahu betapa dalam warna tercermin dalam emosi manusia. Lukisan monokromatik telah menjadi cara yang berkesan untuk mencetuskan pengalaman peribadi yang mendalam, seterusnya menggalakkan artis untuk meneroka emosi dan kerohanian melalui seni monokrom.

Artis mengurangkan palet warna mereka atas pelbagai sebab, tetapi kebanyakannya ia adalah cara untuk menumpukan perhatian penonton pada subjek, konsep atau teknik tertentu. Tanpa semua kerumitan kerja dalam warna, anda boleh mencuba bentuk, tekstur, makna simbolik.

Lukisan monokrom dalam warna hitam, putih dan kelabu juga dipanggil grisaille.

Pembangunan Arah

Karya seni Barat terawal yang masih hidup dibuat dalam grisaille telah dicipta pada Zaman Pertengahan. Mereka direka untuk menghapuskan semua gangguan dan memfokuskan minda. Apabila warna merangkumi kehidupan seharian, hitam dan putih boleh menandakan peralihan ke dunia lain atau mempunyai konteks rohani.

Bagi sesetengah orang, warna adalah buah yang dilarang dan diharamkan oleh perintah agama yang mengamalkan satu bentuk pertapaan estetik. Sebagai contoh, kaca berwarna dalam teknik grisaille telah dicipta oleh sami Cistercian pada abad ke-12 sebagai alternatif kepada tingkap gereja yang terang, dengan lut sinarnya.panel kelabu, dengan imej kadangkala dicat dengan warna hitam dan kuning. Ringan dan elegan dalam penampilan, jeriji tingkap kaca mendapat populariti di luar pesanan dan akhirnya menjadi model di banyak gereja Perancis.

Kajian cahaya dan bayang-bayang

Sejak abad ke-15, artis telah melukis dalam warna hitam dan putih untuk menghadapi cabaran yang ditimbulkan oleh subjek dan gubahan yang mereka gambarkan. Penghapusan warna membolehkan artis menumpukan pada cara cahaya dan bayang jatuh pada permukaan figura, objek atau pemandangan sebelum beralih ke kanvas warna penuh.

Lukisan Grisail

Semakin lama, lukisan dalam grisaille mula muncul sebagai karya seni bebas.

Saint Barbara karya Jan van Eyck (1437, Muzium Seni Halus Diraja Antwerp) ialah contoh terawal karya monokrom pada panel yang dicat dengan dakwat dan minyak India.

Selama berabad-abad, artis telah mencabar diri mereka untuk meniru rupa arca batu dalam lukisan. Eropah Utara mempunyai cita rasa untuk unsur hiasan ilusi seperti lukisan dinding hiasan dan plaster berukir. Kejayaan terbesar dalam amalan ini dicapai oleh artis Jacob de Wit. Karyanya dengan mudah boleh disalah anggap sebagai pelega dinding tiga dimensi.

Abstraksi

Artis abstrak sering beralih kepada lukisan monokrom. Apabila artis mempunyai akses kepada semua yang mungkinwarna, kekurangan warna boleh menjadi lebih mengejutkan atau menimbulkan pemikiran. Pada tahun 1915, artis Kiev Kazimir Malevich melukis versi pertama Dataran Hitam revolusionernya dan mengumumkan bahawa ia adalah permulaan jenis seni bukan perwakilan yang baru. Hasil kerja Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella dan Cy Tumbley menggambarkan penggunaan warna minimum untuk impak maksimum.

Artis yang tertarik dengan teori warna dan kesan psikologi warna (atau kekurangannya) memanipulasi cahaya, ruang dan rona untuk menimbulkan respons khusus daripada penonton.

Lukisan dakwat

Seni jenis ini membolehkan artis mencipta kawasan kontras yang jelas. Dalam kebanyakan kes, lukisan dakwat ialah penggunaan dakwat hitam pada permukaan putih, menghasilkan kontras ini. Untuk mencipta peralihan yang diperlukan apabila teduhan, kaedah menggunakan beberapa lapisan digunakan. Kaedah sedemikian termasuk, contohnya, pelbagai jenis penetasan.

Lukisan monokrom Jepun

Seni jenis ini berasal dari China. Dalam konteks budaya, falsafah dan seni inilah lukisan monokrom dilahirkan.

Dari semua seni di China, lukisan adalah yang paling penting, ia mendedahkan rahsia alam semesta. Ia berdasarkan falsafah asas, Taoisme, yang membentangkan konsep kosmologi yang jelas, takdir manusia, dan hubungan antara manusia dan alam semesta.

Lukisan ialah penerapan falsafah ini kerana ia menembusi misteri alam semesta.

Dalam tradisiLukisan Cina mempunyai empat subjek utama yang pada asasnya sama dalam lukisan Jepun: landskap, potret, burung dan haiwan, bunga dan pokok.

Di Jepun, semasa era Kamakura (1192-1333), kuasa telah dirampas oleh pahlawan (samurai). Pada era ini, terima kasih kepada ziarah sami ke China dan perdagangan mereka di sana, sejumlah besar lukisan telah dibawa ke Jepun. Fakta ini sangat mempengaruhi artis yang bekerja di kuil yang ditugaskan oleh pengunjung dan pengumpul seni (shogun).

Import bukan sahaja memberi inspirasi kepada perubahan dalam subjek, tetapi juga menggalakkan penggunaan warna yang inovatif: yamato-e (lukisan skrol abad ke-9-10) telah digantikan dengan teknik monokrom Cina.

Karya-karya yang menakjubkan dari guru besar Buddha dan pelukis dinasti Tang dan Song, lukisan yang ditulis dalam dakwat Cina hitam, dipanggil suibok-ga atau sumi-e di Jepun (akhir abad ke-13). Gaya lukisan ini pada asalnya dimonopoli oleh penganut Buddha Zen dan kemudian diterima pakai oleh sami dan artis yang disemai dengan semangat ini, dan untuk sekian lama lukisan dakwat hitam dan lukisan Zen (Zenga) hampir tidak dapat dipisahkan.

Tuan sumi terhebat pada zaman ini ialah Sesshu Toyo (1420-1506), seorang sami dari Kyoto yang mempelajari lukisan dakwat di China. Sesshu adalah satu-satunya artis yang mengasimilasikan asas falsafah lukisan jenis ini dan menjelmakannya dengan semangat asli dalam tema Jepun dan bahasa seni, serta berkaitan dengan perwakilan spatial Cina.artis pada masa itu.